Rå, uhyggelig og skamløs er tre ord, der beskriver Adam Sandler-film generelt nøjagtigt og især 50 første datoer. Ligesom valentinen The Wedding Singer fra 1998 parrer denne påståede nye komedie den liverwurst-face Saturday Night Live-alumnen med en svimlende, vidvinklet Drew Barrymore, der laver et dejligt hævemiddel til den grimme, slibende og uhyggelige person, som Mr. Sandler (og et altid forbløffende broderskab af vildledte filmkritikere, der lever af smagløshed) kalder sandsynligvis stil. Alligevel er de sædvanlige jackass-gags og sygdommelige, sophomoriske sentimentalitet her i overflod: homoseksuelle vittigheder, vilde slag, gamle senile mennesker, der taler beskidte, og den ynkelige coterie af sociale og medicinske misfits, der behandler Mr. Sandlers portefølje af lager moronic slackers som champs og helte.
Den ikke-eksisterende plot omarbejder Harold Ramis 'film Groundhog Day fra 1993, hvor Bill Murray spillede en kynisk vejrmand dømt til at genopleve begivenhederne den 2. februar igen og igen, indtil han lærte at blive mere empatisk over for Punxsutawney-gnaver på udkig efter dens skygge. Hvis hans karakter sidder fast i skærsilden, er Drew Barrymores karakter, Lucy, dømt til limbo. Et medicinsk fænomen, der kun lever i brudt tid, hun er kunstlærer, der har fået hovedskade i en bilulykke. Nu mister hun sin kortvarige hukommelse hver aften og vågner hver morgen og tror, at det er ulykkesdagen igen, som også er hendes fars fødselsdag. Af grunde, du ikke vil vide, følger hendes hadefulde far (Blake Clark), steroidpumpede bror (Sean Astin) og forskellige indfødte huladansere (forsømte jeg at nævne det hele finder sted på Hawaii?) , selv at se en natlig gentagelse af The Sixth Sense og fejke chok og overraskelse hver gang Bruce Willis viser sig at være et spøgelse. Når illusionsterapien keder sig, kommer Sandler ind som havdyrlæge og erobrer af dameturister ved navn Henry. Han falder for Lucy i det øjeblik, han opdager hende i en spisestue, hvor han laver et hus ud af en stak vafler. Hun kan lide at snuse hans fingre, fordi de lugter af makrel. Det er bare den kvalmende rene del. De kvalmende beskidte dele angriber det, der er tilbage af din egen hjerne hurtigere, end du kan sige Farrelly Brothers.
I hver Adam Sandler-film er sjov sat på bøsser, ældre borgere, paraplegikere, mennesker i loony skraldespande og kørestole. Men er det ikke nysgerrig, at den eneste person, der ser beskadiget og submental ud i alle disse film, er Adam Sandler selv? I de modbydelige 50 First Dates synes hans mangler endnu mere dødbringende end de gjorde i den følelsesladet prætentiøse Punch-Drunk Love. Mens det lamme manuskript af George Wing padser sig til en uudholdelig funktionslængde på 95 minutter med en række uendelige datoer, hvor Lucy mener, at hun møder Henry for første gang, bliver de gentagne kys-og-kælescener udlignet af instruktør Peter Segals forpligtelse til grovt overkill. På hvert stadium af romantikken går filmen ind i så meget scatologi og barsel ungdomsår, at det ser ud til at være instrueret af Mr. Segal med en finger ned i halsen. Mr. Segal er manden, der er ansvarlig for Anger Management og Nutty Professor II: The Klumps, blandt andre imbeciliske skændsler, så ingen vil sandsynligvis komme ind i denne krypt på jagt efter subtilitet, friskhed eller stil.
Men selv efter Hollywood-standarder, hvilken slags sind smadrer dig med en kombination af denne meget toilethumor og fysisk misbrug på samme tid? Forbered dig på grusomme børnehavebiter om blå mærker testikler, en hvalross, der opkastes voldsomt og en næsten hermafrodit. (Ville den ene eller den anden ikke have været tilstrækkelig?) Lucys far efterligner grusomt og håner sin søns talehindring. (Er ikke den unge mands overdrevne pecs nok?) Vi opfordres alle til at grine opstemmende over en hjerneskadet mentalpatient, og en syg vittighed om Gary Buseys næsten fatale motorcykelulykke i det virkelige liv falder lige så fladt som elefantmøller. Derefter er der den hammy, overspændte forestilling af den evige Sandler-repertoire-sidekick Rob Schneider, som en hawaiisk dopmisbruger med mørk hud og pidgin-engelsk, der hele tiden finder nye måder at rive sårene op på maven fra en hajbid.
Dumt, groft og uhyggeligt sjovt, dette er den slags film, der får dig til at bede om, at en ægte levende tiger-tand ville dukke op midt i en scene og gøre nogle permanente skader af sig selv. Nu er der en grusom vittighed, der virkelig ville efterlade mig i sømme.
Overkøn trio
For al hype og kontrovers omkring dens kinky sex og fuld frontale mandlige nøgenhed er Bernardo Bertolucci's The Dreamers en film, der sveder til kommando, men ikke holder opmærksomhed. Det er tungt og irksomely unsexy. Beruset af biografen og Kama Sutraen har Bertolucci i sine sidste par film opgivet de hormoner, som han kørte Marlon Brando med, i Last Tango i Paris for at demonstrere den eneste anvendelse af smør, der aldrig skete for Julia Child. Men i The Dreamers, der blev spillet i Paris i det turbulente forår 1968, vender hr. Bertolucci tilbage i sit billede til sine tre yndlingsemner - sex, film og politik. Alle tre var da i fuld gas og brændte revolutionerne i de kaotiske 60'ere. Året var en tid med strejker, protester fra studerende, politiske skandaler og rasende, kæderygende hedonisme, da Henri Langlois blev kastet ud af halcyonsalene i Cinematheque Française i Paris, og folkemængder af urolige biografbuffere lænkede sig til portene med New Wave ikoner som François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo og Simone Signoret. Begynder Bertolucci, en tidligere assistent for Pier Paolo Pasolinis, der sluttede sig til de hellige rækker efter hans første film i 1962, var der, og hukommelsens adrenalin stiger selvfølgelig stadig gennem hans hjerne. Det er sidste gang, at nok mennesker blev så påvirket af filosofien, de stødte på skærmen, at de var villige til at storme barrikaderne og kæmpe politiet med klubber og tåregas for at forsvare filmene fra Nicholas Ray.
Tilpasset af Gilbert Adair fra sin roman fortæller The Dreamers om oplevelserne fra Matthew (Michael Pitt), en ensom, naiv amerikansk studerende og umættelig cinephile, der hænger på Cinemateket nat og dag. Med et strejf af brandy og et skæbnesnurr møder han Isabelle (Eva Green) og Theo (Louis Garrel), eksotiske franske tvillinger, hvis excentriske forældre har draget på en længere ferie og efterladt søskende alene i de rodede, rummelige og let skruede familie lejlighed. Inden for to dage flytter broren og søsteren Matthews ting ud af sit hotel og ind i deres lejlighed, hvor de flirter, fascinerer, romantik og forfører ham til en ménage à trois, der ændrer hele hans liv. Her er en høflig, blød talt, ren amerikansk fra San Diego med en baggrund af grønne græsplæner, stationvogne og Brooks Brothers knap-downs, hvis seksuelle anstændighed gradvist mindskes af en incestisk brorsøsterhandling, der er ivrig efter at indlede ham til de bohemske spil i deres egen ukonventionelle seksuelle revolution. Det er lige så meget en film om film som den handler om kopulation. Da den oversexede trios referencer til livets oplevelser alle er begrænset til scener fra film, de har set på skærmen, skærer Bertolucci ned til filmklip af Chaplin, Garbo i Dronning Christina, Fred og Ginger og selvfølgelig enhver Amerikaners uudslettelige første indtryk af Paris-Jean Seberg sælger International Herald Tribune på Rue l'Opera i Breathless. Matthew trænger ind i en sekulær eksistens af incestuøs dekadence og giver sig selv over til ethvert seksuelt eksperiment med total overgivelse, indtil eventyrene i de urolige gader udenfor overhaler vækkelserne i sengene indeni, og vejen til modenhed og selvopdagelse ender i adskillelse. Matthew indser endelig, at der er mere i livet end ikke-specifikke kønsorgasmer. Det stillede spørgsmål er: Hvad med en efterfølger, hvor han sætter sin liderlige transformation på prøve under hånden i San Diego?
Der er masser af sex, men det meste er svagt, og intet af det er meget pulserende. Skuespillerne er næsten røde med udslæt af forlegenhed, og med undtagelse af Eva Green - der stønner med simuleret lyst som en pornodronning - ingen synes at være meget tændt. Mr. Pitt, en intenst akavet skuespiller fra Brooklyn med hvedefarvet hår og hævede læber, viser sin røv og sin johnson, men han er for skamlet og sprød til at oparbejde meget feber. Det barokke Paris-atelier, hvor ungdommen udfører sine fantasier, giver filmen en dejlig, dæmpet kvalitet, der sjældent vover sig ud i dagslys, men dette er et nærsynet emne, som Bertolucci ikke er helt succesrig med at udvide ud over sin egen personlige vision. Det franske politiske klima i 1968 er ikke et emne, som mange mennesker er nysgerrige efter i 2004, og køn er ikke mere erotisk end Janet Jackson i Super Bowl. Det er en film om ungdom og lidenskab, der virker gammel og lidenskabelig.
Can-Can Can!
Can-Can, de første encores! produktionen i 2004, fjernede myten om, at denne populære serie af iscenesatte koncertversioner af gamle Broadway-musicals har overlevet dets anvendelighed og popularitet. Du ville ikke vide det fra de skrig af godkendelse, der hoppede ud af altanbjælkerne i centrum. Et spørgsmål hænger dog sammen. Det oprindelige formål med Encores! For 10 år siden skulle reprise viser, at ingen havde set i årevis, monteret uden sæt eller kostumer, med hele rollebesætningen med bøger og librettoer i deres hænder og udførte forsømte, ofte glemte partiturer, der var et andet blik værd. Kvalificerer Cole Porter's skummende, men ledige Can-Can? Måske er det ikke blevet set meget siden det åbnede i 1953 for afgjort blandede anmeldelser med en rollebesætning, der omfattede Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon og Hans Conried, men den løb i to år og vandt Tony Awards for Gwen Verdon og koreografien. af Michael Kidd, så hvem vil kalde det uklart? Og vi kan gå til vores respektive hjørner af ringen lige nu og komme ud og kæmpe om, hvorvidt det er værd at nogensinde blive iscenesat igen. Abe Burrows 'bog var altid flad, men i 50 år er den vokset hår. Og på trods af deres tidsbestandige holdbarhed har hit sange som I Love Paris, C'est Magnifique og It's All Right with Me altid været blandt mine mindst foretrukne poster i Cole Porter kataloget. Derudover finder jeg Michael Nouri en lox lavet af cypress, og jeg har altid været helt allergisk over for skrigende Patti LuPone.
Når det er sagt, må jeg nu bide i et stort stykke ydmyg tærte og indrømme, at jeg havde det helt fint på Can-Can. Det endimensionelle plot om en kamp, der bliver til et kærlighedsaffære mellem en opretstående dommer ved navn Aristide, der løfter om at opretholde censurlovene fra 1893 ved at forbyde alle suggestive offentlige dansudstillinger, der kan opmuntre eller pleje de basale instinkter af frække parisere, og den saftige La Mome Pistache, ejer af den berygtede Bal du Paradis-kabaret i Montmartre, hvor den ulovlige dåse er en nattegning, er lige så engangs som nogensinde. Alt fører op til retssagen, hvor kun én ting i retssalen vil ændre loven, svinge juryen og smelte dommernes iskolde hjerter: Bring på dåsen! Det er uhyre ubeskrivelig med en påtrængende quadrille, Garden of Eden-ballet og fakkel-apache-dans, der alle kun var perforerende. Men der var også et par ubestridelige fornøjelser: Det andet banan-plot om Boris, en pompøs, sultende bulgarsk kunstner, og hans langmodige kæreste Claudine, en kan-kan-danser, blev enormt forstærket af den uhyggeligt charmerende Reg Rogers og den libidine , langbenet Charlotte d'Amboise. Og som den uhyggelige pistache fandt Patti LuPone endelig en rolle, der fyldte hendes stemme og hendes korset. Hun var den værste Annie Oakley, jeg nogensinde har set, og som en ulykkelig Reno Sweeney i Anything Goes kunne jeg ikke forstå et ord, hun sagde (eller sang). Men i Can-Can var hun en belle époque cupcake, der ejede scenen. Hendes sang steg uden at være brassy eller flad, hendes salte handling overbevist uden at være kantet eller skarp. Hver gang hun ventede i vingerne, kunne du høre publikum miste opmærksomhed. Da hun vendte tilbage, stridende men ikke stridende, kom alle til fuld opmærksomhed, klar til at hilse. Dette er en cut-and-paste produktion, professionelt instrueret af Lonny Price, af et show, som jeg let kan rådgive i alle tekster fra Cole Porter til allez-vous-en. Jeg vil aldrig se eller høre Can-Can igen, men som et sjældent udstillingsvindue for at fremhæve de bedste kvaliteter af Patti LuPone blev sangtitlen C’est Magnifique overraskende sandt.
