Saving Private Ryan er et mesterværk. Det cementerer Steven Spielbergs omdømme som en af tidens banebrydende filmskabere. Det fortæller en galant historie om ære og pligt og mod under ild. Det viser ting om krig, der aldrig er set på en filmskærm. Det gør dig stolt over at være amerikaner uden en masse falske, sentimentale, patriotiske flagvinker. Og det genopliver min tro på filmens potentielle storhed. Og nu, efter at have sagt nok til at hæve øjenbrynene, lad kontroversen begynde.
Nogle mennesker vil ikke se denne magtfulde og elektrificerende film på grund af volden. (Dette er de samme mennesker, der kunne lide Pulp Fiction.) Nå, jeg kan ikke lyve. At redde privat Ryan er voldelig. Krig er voldelig. Men en af de mange styrker i denne fænomenale film, der adskiller den fra det sædvanlige Bang, bang, du er død! ting er den måde, det ikke kun undersøger voldens natur på, men omdefinerer hele konceptet. Du ser på de mest umenneskelige aggressioner og forstår, hvorfor de var nødvendige for selvforsvar. Mr. Spielberg går ud over krigen film genre; han bringer dig selve krigen.
At redde privat Ryan spilder ikke tid på udstilling. Det falder dig ind i et af verdens mest voldelige sammenstød fra starten. Det er den 6. juni 1944, den dag i berygtelse kendt som D-Day, da de allierede landede på stranden i Normandiet for at møde de tyske kampvogne, der truede fremtiden for den civiliserede verden. Mere end 4.000 amerikanere døde i kampen, der fulgte, og hr. Spielberg fanger støj og forvirring, tårerne og terroren hos de drenge, der døde som helte før deres tid, i en af de mest rystende kampsekvenser, der nogensinde er filmet. Du kastes første gang i slagtens øje, hvor overlevelse var et mirakel. Du er tyskerne, og du er også de sårede og opkastende G.I.'er, da strandene fyldes med kroppe og blod, og de sårede blæses lige ud af armene på Røde Kors-læger, før de kan trækkes i sikkerhed. Denne ødelæggende sekvens varer 30 minutter, og det er den mest overvældende og smertefulde halvtime, jeg nogensinde har brugt i et teater. Der er intet forsøg på at ændre lyden for at gøre individuelle dialoglinjer lettere at høre. For en mand er skuespillerne hæs fra kakofonien, der omslutter dem, og seeren føler sig så fanget og desorienteret som soldaterne. Normandie-invasionen var veldokumenteret i den episke The Longest Day, men Mr. Spielbergs lærred er i endnu mere massiv skala med en virtuos eksplosion af udslettende rædsel, der kaster publikum ind i centrum af handlingen med en ubeskrivelig centripetal kraft .
Historien, der følger, handler om otte modige, men voldsramte soldater, ledet af Tom Hanks, der beordres til at redde en privat (Matt Damon), der mangler i aktion bag fjendens linjer. Ingen ønsker opgaven, men kommandokæden ned helt ned fra general George Marshall, der er villig til at risikere livet for otte mænd for at redde en dreng for at lette lidelsen for en efterladt familie i Iowa efter deres anden tre sønner er døde i aktion. I en galvaniserende forestilling skal Mr. Hanks retfærdiggøre risikoen for sine mænd, forhindre dem i at forlade og finde anstændighed og ansvar i helvede af krigen. I det strålende manuskript af Robert Rodat lærer du enhver mand at kende som et medlem af din egen familie, og i løbet af næsten tre timer beviser hr. Spielberg, at intet i krigen er sort og hvidt. Amerikanere er gode og dårlige, feje og ædle. Nogle er i stand til at begå de samme grusomheder mod overgivne tyskere, som de kæmper for at forhindre. Frem for alt er de menneskelige.
Det handler ensemble er førsteklasses. Tom Sizemore er især fin som den hårde veteransergent, der spiller efter regelbogen, og Edward Burns, som den hårde rebel fra Brooklyn, der ikke har nogen nåde for fjenden, bryder ud af sin sædvanlige kedelige monoton for at ætse et portræt af kynisme og raseri under stress, der er overraskende visceralt. Lojaliteter og værdier ændrer sig, når du er følelsesmæssigt fortvivlet, og rollebesætningen gør et overbevisende job med at vise indre konflikt. I sidste ende er værdierne, som Spielberg udforsker hos disse mænd, menneskehedens etik.
Du går væk fra nogle film og siger, jeg ved, hvordan de gjorde det. I Saving Private Ryan er kampscenerne så grafiske, at du ikke kan tro på det, du ser. Du er aldrig opmærksom på kameraets tilstedeværelse. Intet ser udøvet eller iscenesat. Du bliver simpelthen slået ud af dit sæde. Langt fra en konventionel gung-ho krigsfilm fuld af macho heroics, får den dig stadig til at mærke de små tapperhedsmomenter, der uventet kom til de mænd, der kæmpede i 2. verdenskrig uden at miste sporet af sin menneskelige fortælling. Nogle mennesker vil modsætte sig ridsepatruljen fra otte fyre, der undertiden ser ud til at udslette halvdelen af den tyske hær med en endeløs forsyning af artilleri, men filmen er så smukt tempoet af Mr. Spielberg og frenetisk redigeret (af Michael Kahn), at du aldrig har tid til at bekymre sig om lejlighedsvis plotkonstruktion. For ren brutal styrke overgår den Battleground, Battle of the Bulge, Bataan og endda The Longest Day, når store krigsfilm går.
For yngre publikum, der aldrig har hørt om Omaha Beach eller Bastogne eller endda Adolf Hitler, er denne film en værdifuld historieundervisning. For et mere modent publikum er det en fornyelse af forståelsen for den sidste krig, der virkelig var værd at kæmpe. Jeg sagde det før, og jeg vil sige det igen. Saving Private Ryan er et mesterværk. Og hvorfor ikke? Mr. Spielberg har lavet en af de største børnefilm nogensinde. Han lavede en af de største horrorfilm nogensinde. Han lavede den største Holocaust-film nogensinde. Efter E.T. , Jaws og Schindlers liste, det er kun logisk, at han nu skal lave en af de største krigsfilm nogensinde. Og det var præcis, hvad han gjorde.
Sedgwick ankommer.
Hvor er Shakespeare?
På trods af lugten af røgelse og sitarmusikken virker Nicholas Hytners forsøg på at flytte Shakespeares tolvte nat til Orienten i den kontroversielle sommerproduktion i Lincoln Center ofte mere som Jacques Offenbach end Ravi Shankar. Det er et overdådigt skue for øjet, hvis ikke altid for øret. Designer Bob Crowleys Illyria er bygget på kanaler, der ligner mere Venedig end Kashmir. Persiske tæpper med påfugle adskilles af boardwalks af indiske mosaikker og ind i den safirblå swimmingpool polstrede og polerede skuespillere fra Reebok Gym trash rundt, iført så lidt som loven tillader. Når Paul Rudds Orsino siger den berømte linje Hvis musik er kærlighedens mad, skal du spille videre! han ryger et opiumrør i en vandret bedøvelse. Da Helen Hunt's Viola kommer ind, kommer hun ud af et skibsvrag, vade gennem puljer af gossamer-tåge. Ja, der er blænding overalt, nye ideer i bevægelse og masser af blænding for at aflede opmærksomheden, men hvor er William Shakespeare?
Jeg byder enhver revisionistisk version af Twelfth Night velkommen, inklusive Your Own Thing, rockmusicalen, der endda indeholdt en scene mellem Humphrey Bogart, dronning Elizabeth, Michelangelos Gud fra det sixtinske kapel og John Wayne. Men at sætte denne mest romantiske komedie i et diskotek ville på en eller anden måde virke mindre bizar end nogle af anticsne i denne underlige produktion. De sammenfiltrede kærligheder fra Viola og hendes tvillingebror Sebastian, grev Orsino, Olivia og de assorterede tjenere og gøglere, der forvirrer dem yderligere, er stadig en svimmel glæde, moden til en boltring, være indstillingen Marrakech eller Maine. Men det er et mærkeligt udvalg af miscast bedfellows, der laver bolde her.
Den største overraskelse er Kyra Sedgwick, en filmstjerne med skønhed, timing og kropssprog, der gør Olivia til den svimlende gudedrømme, der er lavet af. Helen Hunt, med sin drengeagtige hestehale og ikke-nonsens-levering, er en hentende kønsbøjning, der ofte reducerer den arkaiske måler til nutidige aflæsninger, der vil glæde folk, der hader Shakespeare, men hun har ikke vokalskyggerne eller scenetræningen til gør viola mindeværdig. Med øreringe dinglende og lange krøller, der kaskader ned ad ryggen som en hestes manke, ligner Paul Rudd som en rockgitarist på dårlige stoffer. Lysår fjernet fra den charmerende homoseksuelle lærer, han spillede i Mr. Hytners kærlige film The Object of My Affection, han mangler stadig den mandige statur for at gøre Orsino til centrum for opmærksomheden. Brian Murray og Max Wright spiller tåberne som en beruset Laurel og Hardy og spiser kinesisk takeout med spisepinde, mens deres kohorte i komedie med lavt skind, Skipp Sudduth, i trikotage og beanie, er klædt som Warren Beatty i Bulworth. Altid et vidunder, Philip Bosco er en oprørsk Malvolio, der gør overgangen fra streng finansiel troldmand til ubrudt moron med en skrumpet holdning og rynket pande, der mindede mig om Smirnoff-vodka-mand med forstoppelse. Nogle medlemmer af den enorme rollebesætning søger stadig efter underlagene i deres roller, og andre, som Rick Stearn som den smukke Sebastian, taler næsten ikke med Bard.
I den imponerende overdådighed i produktionsdesignet er der meget at beundre, men når du bruger mere tid på at tælle og fortælle antallet af stearinlys, der er hævet og sænket ned fra loftet på en stjerneklar tolvte nat (jeg tællede 60), er der noget galt med selve natten.
