Judith Slaying Holofernes , Artemisia Gentileschi.Kreative fællesheder Kunsthistorien kan lyde som en pølsefest. Hvor er alle damerne? De er naturligvis i malerierne, enten som en idealiseret version af sig selv (i formelle portrætter), som objekter af begær (nøgenbilleder), som genstande til ærefrygt (Jomfru Maria), som objekter af sado-masochistisk, religiøs interesse (martyrdød af kvindelige helgener), som gudinder for gamle (Venus eller Diana) eller som seksuelle mål for gamle guder (illustrationer fra Ovidis Metamorfose ). Men hvad med på den anden side af lærredet? Stop næsten alle på gaden og bed dem om at navngive en stor kvindelig kunstner, og chancerne er, at de måske giver dig et moderne navn, Marina Abramovic eller Tracey Emin, måske. Men kunne de navngive nogen, der levede før første verdenskrig?
Jeg spurgte nogle kunsthistorikerkollegaer, og selv de har problemer med at komme med mere end en håndfuld navne (og de indrømmede også at huske navnene, men ikke at have set værker af kunstnerne). Heldigvis er der nogle store udstillinger, der har ført præmoderne kvindelige kunstnere frem for sent.
New Yorkere vil have haft den held at deltage i sidste års Vigée Le Brun: Kvindekunstner i det revolutionære Frankrig på Metropolitan Museum of Art . Men det største navn og måske den eneste kvindelige renæssancekunstner, du måske har hørt om, findes i øjeblikket i en kæmpestor udstilling i Rom: Artemisia Gentileschi og hendes tid på Museo di Roma i Palazzo Braschi.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) er berømt, men mest af de forkerte grunde. Hendes er en operahistorie om sex og vold - en ægte Jacobean hævntragedie, der alt for ofte overskygger hendes malerier. Det ældste barn til en berømt maler, Orazio Gentileschi, strålte straks som familiens førende talent og arbejdede i sin fars atelier sammen med sine brødre. Fordi hendes far, ligesom så mange kunstnere i Rom i begyndelsen af 1600-tallet, blev forbløffet over Caravaggios arbejde - hans dramatiske, realistiske, voldelige, dynamiske, lysbelyste lærred taler om Rom og ligner intet noget andet arbejde, der var kommet foran dem - også hun tog denne stil op og kan betragtes som en anden generation af Caravaggisti.
Caravaggios stil var så ny og populær, at kunstnere strømmede for at efterligne ham - selv dem, der var trænet i den rivaliserende, mere etablerede akademiske stil, der blev fremmet af Carracci Academy i Bologna - noget han ikke kunne overholde. Han sagsøgte eller truede og vedtog vold mod folk, der aped hans stil (eller overcooked hans artiskokker, som en uheldig tjener fandt ud af). Men af alle efterlignerne er der kun to (i det mindste i mine tanker), der skiller sig ud som at have liget eller overgået Caravaggio selv. Selvom det er en subjektiv holdning (men en deles af mange), tror jeg, at Artemisia var på Caravaggios niveau, måske et A til hans A + (jeg foretrækker hende Judith Beheading Holofernes til hans, da det føles mere som en kastrering hævn fantasi, hvilket naturligvis er, hvad den bibelske historie handler om). Og den eneste kunstner, der overgik ham, var uden tvivl den meget undervurderede Ribera.
Mens Caravaggios livshistorie er et mord og kaos, er Artemisias ligeledes mørkt. Hendes mor døde, da hun var tolv, og hun blev offer for jalousi for sin bemærkelsesværdige evne, ofte beskyldt for at have fået hjælp af sin far eller sine brødre. Men det afgørende øjeblik i hendes karriere var desværre forfærdeligt. En maler ved navn Agostino Tassi, hyret af sin far for at vejlede hende, voldtog hende sammen med en anden angriber, Cosimo Quorlis. En ven af Artemisia, en familielejer ved navn Tuzi, hørte hendes skrig om hjælp, men ignorerede dem.
Men historien blev mere kompliceret. Hvis Tassi, der allerede var gift, skulle gifte sig med Artemisia, ville ansigt muligvis blive reddet (husk at dette var den 17thårhundrede). De fortsatte deres seksuelle forhold, og Tassi snoede Artemisia sammen med forventningen om ægteskab. Hendes far, Orazio, vidste om dette, men holdt mor for at bevare familiens ære. Det vil sige, indtil det blev klart, at der ikke ville være noget ægteskab. På det tidspunkt sagsøgte Orazio Tassi, og en retssag, der vakte intens interesse, ville strække sig over syv måneder.
Retssagen var et rædselshow, både bogstaveligt og med hensyn til de historier, det rørte til overfladen. Tassi, kom det ud, havde planlagt at myrde sin kone og havde haft andre elskere, mens han fortsatte med Artemisia. I en ekstremt pervers praksis blev Artemisia tortureret for at bekræfte sit vidnesbyrd - antagelsen var, at hun ville modstå torturen i sandhedens navn eller indrømme at lyve for at undslippe den. På grund af datidens love havde Gentileschis ingen sag, medmindre de kunne bevise, at Tassi havde taget Artemisias jomfruelighed, der var ligesom at ødelægge Gentileschi-familien økonomisk, ved at gøre den potentielle medgift bærende datter ugiftelig.
Retssagen sluttede mildt sagt utilfredsstillende. Tassi blev idømt et års fængsel, men tjente ikke en dag. Men Artemisias historie forbedredes fra det mørke punkt. Bare en måned efter retssagen ordnede Orazio et arrangeret ægteskab for sin datter, der skulle vise sig at være frugtbart. Hun flyttede til Firenze med sin nye mand, Pierantonio Stiattesi, en kunstner med ringe anseelse, men en støttende figur. De havde en datter, og Artemisias karriere blomstrede nu ud af skyggen af Rom og hendes familie. Hun fik bestillinger fra Medici i Firenze og Charles I i England. Hun blev ven med Galileo og var den første kvinde optaget i Firenzes Accademia delle Arte del Disegno, som blev grundlagt i 1563 på initiativ af renæssancekunstneren, arkitekten og historikeren Giorgio Vasari.
Hvis ikke for Vasari, har vi måske mistet sporet af de meget få kvindelige kunstnere fra renæssancen. Vasari er bedst kendt for at have skrevet en gruppebiografi om kunstnere, med udgaver i 1550 og 1568, kaldet Liv af de mest fremtrædende malere, billedhuggere og arkitekter . Dette betragtes som det første ægte kunsthistoriske værk, og hans syn på kunst farver stort set den måde, vi betragter kunst til i dag. Selvom Vasari levede en generation før Artemisia, er det takket være ham, at vi kender nogle vidunderlige kvindelige kunstnere fra renæssancen.
Sofonisba Anguissola og hendes tre søstre, Lucia, Minerva og Europa, boede og arbejdede i Cremona. Om Sofonisba skrev Vasari: Jeg så i hendes fars hus et maleri af hendes hånd lavet med stor flid, der viser hendes tre søstre, der spillede skak, og med dem en gammel huspige med så flid og opmærksomhed, at de virkelig ser ud til at være i live og mangler noget men talens magt. Han fortsatte med at skrive, at hun har vist større anvendelse og bedre nåde end nogen anden kvinde i vores tid i hendes bestræbelser på at tegne; hun lykkedes således ikke kun at tegne, farvelægge og male fra naturen ved at kopiere fremragende fra andre, men selv har hun skabt sjældne og meget smukke malerier. Vasaris ros af kvindelige kunstnere er helt sikkert farvet med et niveau af kvindehad (han lyder næsten overrasket over, at hun som kvinde kunne skabe sine egne sjældne og meget smukke malerier). Men han genkendte hendes talent.
Familien Anguissola var kremonesisk aristokrati, hvilket kan udledes af det faktum, at de overhovedet havde tid til at studere maleri og spille skak. Deres far, Amilcare Anguissola, var ikke kunstner, i modsætning til tilfældet med de fleste præmoderne kunstnere. Han var snarere en velhavende, kærlig far, der gav sine døtre en strålende uddannelse og opmuntrede deres færdigheder inden for kunsten uden at bekymre sig om deres ægteskab - en luksus, som deres rigdom og adel tillod. Sofonisba rejste til Rom for at møde Michelangelo og blev senere hoffmaler for kong Philip II af Spanien. Hun levede et langt, rigt liv, herunder at starte sin første mand til at gifte sig med en havkaptajn, som hun blev hos med i 40 år. I en alder af 92 sad hun for et portræt af den unge Antony Van Dyck under hans ophold i Genova.
Sofonisba er nævnt i Vasaris beretning om en anden kvindelig kunstner, Properzia de 'Rossi fra Bologna (tilgiv Vasari hans kvindehad, hvis du vil - det var ganske feministisk af ham at overhovedet medtage kvindelige kunstnere i hans historie): [kvinder] har heller ikke været skammer sig over at lægge deres ømme hvide hænder på mekaniske ting og midt i marmorens grovhed og jernets ruhed for at følge deres ønsker og bringe berømmelse for sig selv, ligesom vores Properzia de 'Rossi, en ung kvinde, der ikke kun var talentfuld i husholdningssager, men i uendelige former for viden, der er misundelig af både mænd og kvinder.
Properzia havde en ærligt underlig, men bemærkelsesværdig specialitet: hun kunne hugge små figurer i ferskengrop. Et af Properzias mest indviklede værker involverede udskæring af hele Kristi lidenskab, udført i smukkeste udskæring, med et stort antal figurer ud over apostlene og korsfæstelsens præster. Properzia's Passion Pit ville gøre et godt navn for en kvindelig kunstners natklub.
Men hvorfor var der så få kvindelige kunstnere lige før 20?thårhundrede? Der er en åbenbar grund og en noget mindre så grund. Den første er, at kvinder kun beskæftiger sig med et begrænset antal erhverv indtil den industrielle revolution, og virkelig ind i de 20thårhundrede. Håndværk, som maleri og skulptur, var en mands opgave næsten udelukkende uden særlig god grund ud over skik. Renæssancekvinder var normalt nonner, hustruer og mødre, prostituerede eller havde meget lejlighedsvis andre stillinger (sygeplejersker, tjenestepiger, ventedamer, vaskerinder, syersker osv.)
Den mindre åbenlyse grund har at gøre med studiosystemet, der var på plads og var udbredt blandt kunstnere indtil den industrielle revolution, og i nogle tilfælde hinsides. De fleste kunstnere gennem historien træner som lærlinger, der ofte starter så tidligt som 8 år, bor og arbejder med en mester. I alderen 16 eller 18 fik de muligheden for at blive som en betalt assistent eller strejke ud alene for at danne deres eget studie. For at starte sit eget studie måtte en ung aspirant indsende et mesterværk til den lokale gren af malerenes laug, en slags prototunion, der kontrollerede kvaliteten og kvantiteten af kunstnere, der var i deres region (normalt kaldet Guild of Saint Luke, der var skytshelgen for malere). Dette er den korrekte definition af mesterværk: det ene værk, som en kunstner vurderes efter, for at afgøre, om de er gode nok til at blive en mester og åbne deres eget studie.
Lærlinger og assistenter, der bor og arbejder sammen 24 timer i døgnet, kan være akavet og ikke befordrende for arbejde, hvis den situation, vi samarbejdede med i betragtning af de rasende hormoner hos 12-16-årige. Så medmindre en ung kvinde var velhavende nok til at have en ansat kunstlærer, eller medmindre hun var i familien til en arbejdende kunstner, ville hun ikke have chancen for at praktisere kunst. Indtil 19thårhundrede, hvor kunstnermaterialer begyndte at produceres på fabrikken, var pigmenter, lærred og paneler dyre, ofte uoverkommeligt, medmindre de blev købt som en del af en betalt kommission. Således var der ingen tradition for at lave kunst bare for sjov på grund af de involverede omkostninger. Så det er ikke overraskende, at der skulle være relativt få kendte kvindelige kunstnere forud for den moderne æra, hvor kunstfeltet, som de fleste erhverv, åbnede sig med et stadigt stigende niveau af lighed.
Studios eksisterer stadig (overvej Damien Hirst og Jeff Koons i dag, de to bedst sælgende kunstnere i historien, der designer og overvåger oprettelsen af deres kunst, men faktisk ikke gør det selv, deres team af assistenter gør det meste af hands-on arbejde). Men det gamle ordenssystem opløst med den industrielle revolution, og kunstneriet er ikke længere låst til det ene køn eller det andet.
Det er måske ironisk, men bare, at langt størstedelen af kunsthistorikere er kvinder. Selvom kvindelige kunstnere fra tidligere epoker var dyrebare få, leder kvinder studiet af kunst med en enorm margen nu og overgår mænd i større auktionshuse (dog ikke altid helt øverst). Så måske i fremtiden lærer vi endnu mere om fortidens kvindelige kunstnere.
Dette er det seneste i Braganca Arts ' ny serie Hemmeligheder og symboler af forfatter og kunsthistoriker Noah Charney. Hans næste bog handler om Giorgio Vasari og hans indflydelse og vil blive udgivet af Norton næste efterår.
