Til forsvar for mode som en ægte kunstform

Alexander McQueens 2011Savage Beautyvise galvaniseret og fremhævet den ofte glemte opfattelse af mode som legitim kunst. McQueen var en kunstner og et ikon i enhver forstand af ordet. Hans værker berørte dele af den menneskelige sjæl, der kun tidligere blev nået af malermestre. Han integrerede ånd og energi i sine kreationer på en sådan måde, at de personer, der bar hans stykker, blev levende udtryk for kunst.

Vogue chefredaktør og modeikon Anna Wintour har også blandet kunst og mode i de senere år. Hun hjalp med at integrere kostumedesign som en del af den permanente kunstsamling på Metropolitan Museum of Art. Gennem sit engagement på museet bidrager Wintour til legitimering af mode som kunst - museum kvalitet kunst .

Historisk set er mode sjældent blevet hævet til samme statur som maleri, musik, skulptur eller arkitektur. Men mode er et af de reneste udtryk for kunst, fordi det er kunst levet på daglig basis. Man behøver kun at tænke på banebrydende kunstner Marina Abramović og den måde, hvorpå hun engagerer seeren til at blive en del af sit arbejde for at realisere forbindelsen. I hendes 2010 Kunstneren er til stede MoMa-udstilling bad Abramović seeren om at sidde stille overfor hende og stirre på hinanden, så længe seeren ønskede at se og blive set på.

Ligesom i Abramovićs performancekunst skaber modedesigneren kunstværker, der har brug for en anden person til afslutningen. Mode eksisterer kun så længe der er en skuespiller til at inkarnere den. På den måde er det performancekunst. Den person, der bærer det designede stykke, har en samtale med designeren og et publikum. Han eller hun bliver kunstner og deltager fuldt ud. Mode er en manifestation af menneskelig kunst og kommunikation. Det hjælper os med kunstnerisk at kommunikere, hvem vi er, hvem vi vil være, hvor vi skal hen, og hvor vi har været.

Konvergensen mellem kunst og mode er symbiotisk. Alt, hvad der findes og omgiver os, er et produkt af det samfund, vi lever i. Hvem vi er, hvad vi ser, og hvad vi oplever, er indbyrdes forbundne og indbyrdes forbundne. Der er intet sted, vi kan pege på og sige, at denne eller den anden genstand ikke hører til kunstens sfære. Man kan fortælle så meget om en kultur ved de malerier, den producerer, som ved de kjoler og beklædningsgenstande, den bruger til individuelt og kollektivt udtryk. Vi køber nu lærreder og tekstiler til at male og skabe. Ved at kombinere forskellige medier for at skabe kunst er vi bedre i stand til at overskride vores liv og i processen forbinde os med essensen og universaliteten i den vi er.

Kunst skal ikke ses som en luksus. Det er et væsentligt element i et tilfredsstillende liv. Når nogen af ​​mine samlere gennemgår en større livsændring, såsom en skilsmisse eller en ny karriere, foreslår jeg ofte at ændre deres kunst og tøj. Ofte overser vi dette kritiske stykke i vores egen selvudvikling. Den kunst, vi vælger for os selv og vores fysiske livsmiljø, kan tjene som et vigtigt redskab til at forestille os og genopbygge vores følelse af væren.

Al kunst er gennemsyret af den energi og lidenskab, en kunstner indånder i den. Et maleri har magt. En korrekt lavet tweedjakke har magt. Deres energi kan hjælpe os med at realisere vores fysiske og følelsesmæssige mål og ønsker. Mange af mine samlere har fundet ud af, at kunsten de bærer og omgiver sig med ikke kun påvirker deres bundlinje i forretning eller arbejde, men også deres egen følelse af velvære og lykke.

Den kunst, vi bærer og lever med, er den kunst, vi bliver. Kunst - mode og ellers - afspejlerhvem vi erog hvem vistræber efter at være.

Georges Berges er ejer af Georges Berges Galleri i SoHo, NYC og Berges Creative Group, et kunstrådgivningsfirma, der primært beskæftiger sig med det sekundære marked. Følg ham på Twitter @ georgesberges og Instagram @ georgesbergesgallery .